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Joseph Beuys bei der Eröffnung der 4. documenta, 1968, © VG Bild-Kunst, Bonn, 2008, Foto: Abisag Tüllmann.

Joseph Beuys, Multiple Überwindet endlich die Parteiendiktatur, 1972, mit einem Foto der gleichnamigen Aktion im Grafenberger Wald, Düsseldorf, 14. Dezember 1971, © VG Bild-Kunst, Bonn, 2008.

Joseph Beuys während der Aktion Titus / Iphigenie im Rahmen der experimenta 3, Theater am TurmFrankfurt am Main, 29. Mai 1969, © VG Bild-Kunst, Bonn, 2008, Foto: Abisag Tüllmann.

Joseph Beuys, Multiple Capri-Batterie, 1985, Glühlampe mit Steckerfassung, Zitrone; in Holzkiste, 8 x 11 x 6 cm, © VG Bild-Kunst, Bonn, 2008.

Joseph Beuys, Das Schweigen von Marcel Duchamp wird überwertet, o. J. (1964), Papier, Ölfarbe, Tinte, Filz, Schokolade, Fotografie, 157 x 178 x 2 cm, Museum Schloss Moyland, Sammlung van der Grinten, © VG Bild-Kunst, Bonn, 2008.

La rivoluzione siamo Noi, 1972, Lichtdruck/Polyesterfolie, 191 x 102 cm, © bpk / Hamburger Kunsthalle, Kupferstichkabinett / Elke Walford.

Hamburger Bahnhof
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Berlin
Cult of the Artist: Beuys. We Are the Revolution
October 3, 2008-
January 25, 2009

In the second half of the 20th century, the world of art found in Joseph Beuys (1921-1986) a figure whose universal aspirations and ingenious visual imagery lunged out deep into the European history of ideas. No other artist in the 20th century applied his thoughts on the relations between art and society in such a complex way as Joseph Beuys.

Twenty years after the last major exhibition of his work in Germany, and following major exhibitions in Zurich, Paris and London, the exhibition BEUYS. We are the Revolution gives shape to this large expanse of his ideas. For the first time ever the context of his work will be outlined in great detail by way of various documents, writings, films and photographs. The presentation is grounded in the open work and above all on Beuys himself: Beuys the artist, Beuys the thinker, Beuys the individual. Chapters of works by Beuys from the collection of Erich Marx as well as the abundance of audiovisual material from the Joseph Beuys Media Archives will be shown in vivid, dialogical juxtaposition with key works, seldom on loan, from right across Europe. Furthermore, to mark the exhibition, the prestigious STEIDL publishers will be producing a publication packed with pictures, which, analogous to the exhibition, is to set itself the challenge of trying to make sense of Beuys in his entirety as a singular phenomenon in an artistic biography.

It was during the 1960s that Beuys formulated his central theoretical concepts concerning the social, cultural and political function and potential of art. Indebted to Romantic writers such as Novalis and Schiller, Beuys was motivated by a utopian belief in the power of universal human creativity and was confident in the potential for art to bring about revolutionary change. This translated into Beuys’s formulation of the concept of Social Sculpture, in which society as a whole was to be regarded as one great work of art (the Wagnerian Gesamtkunstwerk) to which each person can contribute creatively (perhaps Beuys’s most famous phrase, borrowed from Novalis, is ‘Everyone is an artist’). In the video Willoughby SHARP, Joseph Beuys, Public Dialogues (1974/120 min), a record of Beuy's first major public discussion in the U.S., Beuys elaborates three principles: Freedom, Democracy, and Socialism, saying that each of them depends on the other two in order to be meaningful. In 1973, Beuys wrote:

“Only on condition of a radical widening of definitions will it be possible for art and activities related to art [to] provide evidence that art is now the only evolutionary-revolutionary power. Only art is capable of dismantling the repressive effects of a senile social system that continues to totter along the deathline: to dismantle in order to build ‘A SOCIAL ORGANISM AS A WORK OF ART’… EVERY HUMAN BEING IS AN ARTIST who — from his state of freedom — the position of freedom that he experiences at first-hand — learns to determine the other positions of the TOTAL ART WORK OF THE FUTURE SOCIAL ORDER.”

Beuys manifested these ideas most notoriously in abolishing entry requirements to his Düsseldorf class. Throughout the late 1960s this renegade policy caused great institutional friction, which came to a head in October 1972, when Beuys was eventually dismissed from his post. The dismissal, which Beuys would not accept, produced a wave of protests from students, artists and critics. Although now bereft of an institutional position, Beuys continued a voracious schedule of public lectures and discussions, as well as becoming increasingly active in German politics. Amongst other things, Beuys founded (or co-founded) the following political organisations: German Student Party (1967), Organization for Direct Democracy Through Referendum (1971), and Free International University for Creativity and Interdisciplinary Research (1974). Beuys became a pacifist, was a vocal opponent of nuclear weapons and campaigned strenuously for environmental causes (indeed, he was elected a Green Party candidate for the European Parliament). Beuys also continued to make sculptures, installations, drawings and performances until his death in 1986. In 1982, for example, he planted 7,000 oak trees in Kassel, Germany, for Documenta 7 (7,000 Oaks). The first and only major retrospective of Beuys work to be organised in Beuys’s lifetime opened at the Guggenheim Museum in New York in 1979. The exhibition has been described as a “lightning rod for American criticism,” eliciting as it did some powerful and polemical responses. He was a vigorous and original proponent of Rudolf Steiner's social ideas.

The artist is the core mythical figure of the Western world. For thousands of years now he has come to be worshiped in many guises: as Prometheus, prophet, genius or superman. No other cult figure reveals the history of the European spirit with such force as a drama centering on the eternal conflict between reality and madness, heaven and hell, fate and free will.

In 2008, the Staatliche Museen zu Berlin (National Museums in Berlin) will be making this cult of the artist their major theme for the year. The primary location for the exhibition series is the National Gallery, founded in 1876 as a national place of worship to honour the masters of international contemporary art. In autumn 2008, the gallery takes centre stage for the great ‘ring' of cult artists; the Old National Gallery — unsurpassed temple of the arts — will transform itself into a Walhalla of the German artistic myths of the 19th century. With its exhibitions The Klee Universe and Jeff Koons' Celebration, the New National Gallery will celebrate the apotheosis of the artist in the 20th century, positing him between the metaphysical and pop. Meanwhile Hamburger Bahnhof puts the spotlight on the two most important prophetical artists of the recent past, Andy Warhol and Joseph Beuys, but not without offering a space to the deconstruction of the myth of the artist by showcasing such figures as Martin Kippenberger and Co.

The intellectual heart of the exhibition series will be Immortal! The Cult of the Artist in the exhibition halls at Kulturforum Potsdamer Platz, from where we will be given the chance to take a sweeping look at the role of the artist in all cultures and across all epochs. The exhibition will pay equal attention to images of the artist from outside Europe as well as to European myths of the artist - from the declaration of the artist as an organon of god in the Middle Ages right up to the cult of genius and the readiness in the 20th and 21th centuries to perceive the artist with the same aura as a prophet and messiah.

In the Egyptian Museum on the Museum Island this journey through the ages reaches far beyond the confines of the history of Western culture and stretches as far back to the birth of the cult of the artist in the workshops of Thutmosis, creator of Nefertiti, who we shall be honouring as Berlin's still most beautiful woman. In the special exhibition ‘Giacometti, the Egyptian' the distant past and present day are brought together in timeless proximity to each other, thus closing our ring of cult artists, for whom, with a total of ten exhibitions, the National Museums in Berlin are preparing a grand stage in the autumn of 2008.

Ugo Rondinone, Where Do We Go From Here?, 1996, (Videostill), Tuschezeichnung, Sperrholzplatten, Leuchtstoffröhren, Folie, 4-Kanal-Video, ca. 500 x 1200 x 1000 cm, © Ugo Rondinone. Courtesy Galerie Eva Presenhuber, Zürich.

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“I can't just slice off an ear every day” –
Deconstructing
the Myth of the Artist
Works from the
Friedrich Christian Flick Collection im Hamburger Bahnhof,
the collections of the Staatliche Museen zu Berlin,
and other collections
October 3, 2008-
February 22, 2009

“I can´t just slice off an ear everyday. Make a van Gogh here, a Mozart there. And anyway, it’s hard enough constantly keeping track of what you’re actually doing!”

— Martin Kippenberger

In 2008, the Staatliche Museen zu Berlin will be making the cult of the artist their major theme of the autumn. With the exhibitions Beuys. We are the Revolution and Celebrities. Andy Warhol and the Stars, the Hamburger Bahnhof will be putting the spotlight on the two most prophetical artists of the recent past, not without offering a space in the Rieckhallen to the exhibiton Deconstructing the myth of the artist, Works from the Friedrich Christian Flick Collection im Hamburger Bahnhof, the collections of the Staatliche Museenzu Berlin, and other collections.

The image and the idea of the autonomous, creative artistic genius was subjected to a variety of attacks by the avant–garde movements of the early 20th century. Since the 1960s, many artists have taken critiques of the heroic image of the artist even further. Influenced to some extent by the discourse of the “death of the author” in Post-Structuralist theory and paralleled by a critical confrontation of art as an institution, artists have interrogated and deconstructed a range of stereotypes associated with an often masculinized ideal of creative genius.

In the process, conventional models of authorship have been critically scrutinized, along with traditional notions of masculine and feminine creativity. And the tropes of the suffering, solitary artist playing the role of saviour have been ironized. At times humorously, at times sarcastically, at times even destructively, the status of the artist within the art world has been the object of sustained reflection, and categories such as authenticity and subjectivity interrogated.

A variety of approaches to deconstructing the myth of the artist since the 1960s have foregrounded the ambivalence of the artist’s perennial role, located between disintegration and affirmation, and have provoked discussion of the societal expectations of the artistic personality. On display will be works by:

Francis Alÿs, Art & Language, Azorro, Bernadette Corporation, George Brecht, Marcel Broodthaers, Marcel Duchamp, Maria Eichhorn, VALIE EXPORT, Peter Fischli & David Weiss, FLUXUS, Andrea Fraser, Dan Graham, Rodney Graham, Richard Jackson, Christian Jankowski, Martin Kippenberger, Sarah Lucas, Paul McCarthy, Bruce Nauman, Adrian Piper, Pipilotti Rist, Ugo Rondinone, Dieter Roth, Ed Ruscha, Antje Schiffers, Cindy Sherman, Mladen Stilinovi?, Sturtevant, Vibeke Tandberg, Lawrence Weiner.

Curator of the exhibition is Gabriele Knapstein.

Martin Kippenberger, Ohne Titel, 1988, Öl auf Leinwand, 240 x 200 cm, Collection Román Ramiro, Vigo, Spanien, © Estate Martin Kippenberger/Galerie Gisela Capitain, Cologne.

Sarah Lucas, Self Portraits, 1990-1998, 1999, 12 Irisdrucke mit Kolophon, Auflage 16/150 + 15 e.a., 10 Teile je 80 x 60 cm, 2 Teile je 60 x 80 cm, Friedrich Christian Flick Collection im Hamburger Bahnhof, © Sarah Lucas. Courtesy Sadie Coles, HQ London.

Bruce Nauman, My Name as Though It Were Written on the Surface of the Moon, 1968, Neonröhren mit klarer Glasrohr-Aufhängung, Auflage 1/3, ca. 28 x 518 x 5, Sammlung Migros Museum für Gegenwartskunst Zürich, Foto: A. Burger, Zürich, © VG Bild-Kunst Bonn, 2008.

Andy Warhol, Self-Portrait in Drag (Platinum Pageboy Wig), 1981, Polaroid, 10,8 x 8,5 cm, Hamburger Kunsthalle, Kupferstichkabinett, © 2008 Andy Warhol Foundation for the Visual Arts / ARS, New York.

Andy Warhol, Mao, 1973, Siebdruck auf Acrylfarbe auf Leinwand, 448,3 x 346,1 cm, Staatliche Museen zu Berlin, Nationalgalerie, Sammlung Marx, Foto: J. Littkemann, © 2008 Andy Warhol Foundation for the Visual Arts / ARS, New York.

Andy Warhol, Multicolored Marilyn, 1979/86, Siebdruck auf Acrylfarbe auf Leinwand, 60 x 49 cm, Staatliche Museen zu Berlin, Nationalgalerie, Sammlung Marx, Foto: J. Littkemann, © 2008 Andy Warhol Foundation for the Visual Arts / ARS, New York.

Ron Gallela, 13. Januar 1985, New York Public Library, New York, Galadinner anlässlich einer Preisverleihung des Council of Fashion Designers of America. Andy Warhol erwartet den Modedesigner James Galanos, der an diesem Abend für sein Lebenswerk ausgezeichnet wurde, Fotografie @ Ron Gallela.

Blick in die Ausstellung, Celebrities. Andy Warhol und die Stars, © Marcus Bahra, Kubix GmbH.

Blick in die Ausstellung, Celebrities. Andy Warhol und die Stars, © Marcus Bahra, Kubix GmbH.

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Der Kult des Künstlers:
Celebrities. Andy Warhol
und die Stars
Werke aus der
Sammlung Marx und Leihgaben
October 3, 2008-January 11, 2009

Andy Warhol war der erste Künstler, der das mediale System der Stars bis ins Detail analysiert und konsequent in die Kunst übertragen hat. Die Ausstellung belegt dies exemplarisch, ausgehend von Werken der Sammlung Marx und ergänzt durch Leihgaben aus verschiedenen anderen Sammlungen. Im Zentrum stehen Klassiker wie "Elvis“ oder "Cagney“, diverse "Marilyns“ oder "Jackies“, deren Bildwirkung jeweils ganz gezielt medienwirksam angelegt war. Ausgestellt sind deshalb auch einige exemplarische Verweise auf Vorlagen oder Fotos, auf die Warhol zurückgriff. Denn der Künstler wählte die jeweiligen Ausschnitte und Motive bewußt aus einem großen Fundus von selbst gesammelten Star- und Publicity-Bilder zurück, die er seit seiner Jugend aus Begeisterung für die Glamourwelt des Films aufbewahrte. Darüber hinaus ist der in der "factory“ entstandene Film Poor little rich girl (1965) mit dem von Warhol kreierten Superstar Edie Sedgewick, der die Traumfabrik Hollywood mit dem jüngst erschienen Kinofilm Factory Girl (2008) gewissermaßen ein Denkmal gesetzt hat.

Es werden zahlreiche Original-Ausgaben der Zeitschrift Interview gezeigt, mit der Warhol eine Auftrittsplattform für die prominenten Menschen der Gesellschaft schuf und ein Beispiel der legendären Fernsehsendung "Andy Warhol’s Fifteen Minutes“, die allein im Titel das schon damals bekannte Credo des Künstlers wieder aufgriff: "In Zukunft wird jeder für 15 Minuten berühmt sein".

Warhols Umgang mit den so besonderen Künstlerfiguren wie Joseph Beuys oder Max Bill oder auch die Bildfassungen von einflussreichen Sammlern ergänzen diese Perspektive auf die Starsystem von Andy Warhol und gipfeln am Ende der Ausstellung in einem zugespitzten Blick auf die Mythisierung von Politik: auf Andy Warhols leuchtenden und monumentalen Ewigkeitsbilder von den großen Kommunisten Mao und Lenin.

Die ungemeine Bekanntheit der Kunst von Andy Warhol geht auf die enorme Verbreitung der Ästhetik seiner Bilder zurück, die sich inzwischen auf Gegenständen aller Art wieder finden: auf T-Shirts, Tassen, Tisch- Sets, selbst auf Spielzeug, Möbeln ebenso wie auf Snowboards. Diesen Brückenschlag der Kunst in die Welt des Konsums wird in der Ausstellung im Shop dokumentiert, u.a. mit hochwertigen Modeprodukten der Firma Pepe Jeans, die im großen Stil Bildrechte von Warhol für ihre Kollektion erworben haben. Die Ausstellung verweist damit auf die enge Verflechtung von Werk und Wirkung, von Starbewunderung und Starvermarktung. Warhols Bilder entstanden schließlich ganz aus dem massenmedialen Angebot und wurden ihrerseits so angelegt, dass sie selbst wieder rasch Eingang in dieses System finden: Jeder kann selbst einen "Warhol“ selbst besitzen, mit dessen Erwerb man wiederum selbst zum Kult des Künstlers beiträgt.

Wer in den1970er Jahren Ambitionen hatte, in die gesellschaftliche Oberschicht
aufzusteigen,konnte sich von Andy Warhol helfen lassen. Für 25000 Dollar fertigte der berühmte Pop Art-Künstler ein Porträt mit dem unvergleichbar hohen Wiedererkennungswert von jedem,der diesen Preis bezahlen konnte. Dabei diente das Bildnis vor allem einem Zweck: der Nobilitierung des Dargestellten. Durch die Hand des Künstlers avancierte das Bild zu einem verbindlichen Statussymbol, für das der internationale Jetset Schlange stand. Wer also von Warhol ein Porträt kaufte, erwarb nicht nur ein Konterfei seiner selbst,sondern reihte sich ein in eine Schönheitengalerie der Celebrities. Der "Hofmaler der 70er", wie ihn der amerikanische Kunsthistoriker Robert Rosenblum titulierte, begann bereits in den 60er Jahren mit der Produktion seiner unverwechselbaren und weltweit bekannten in Siebdruck ausgeführten Porträts, die noch heute im allgemeinen Bildgedächtnis nicht nur sehr präsent sind,sondern zweifellos auch großen Anteil an Ruhm und Bekanntheit der Größen — nicht nur aus dem Musik — und Filmgeschäft — haben.

Eine Galerie der Prominenz
Bis zu seinem Tod im Jahr 1987 entstand eine Vielzahl von Porträts, deren Gesamtheit jedoch nur einen ganz bestimmten Teil der Gesellschaft abbildet: Künstler, Musiker, Schauspieler, Sportler, Adlige, Politiker, Intellektuelle, Schriftsteller, Kunstsammler wie auch Stars der Geschichte, so der Preußische König Friedrich II oder die von Leonardo unsterblich gemachte Lisa del Giocondo, besser bekannt unter dem Namen Mona Lisa. Maßgeblich bei der Auswahl seiner Modelle – abgesehen von denen, die sich in das Atelier des Künstlers einkauften — war für Warhol nicht etwa das große Verdienst des Dargestellten, sondern dessen Bekanntheit. Die Mona Lisa ist für Warhol nicht berühmt,weil sie großartig ist, sondern sie ist großartig, weil sie berühmt ist. So finden sich in Warhols Werk vor allem Bildnisse der Super-Celebrities. Aus der Musikszene sind es Künstler, die eine weltweite Welle der Euphorie ausgelöst haben,wie Elvis Presley, Mick Jagger oder John Lennon. Schauspielerinnen wie Marilyn Monroe oder Elizabeth Taylor verkörperten Sinnlichkeit und waren Schönheitsideale für eine ganze Generation. Aber auch die Prominenz,die nicht durch schillernde Bühnenauftritte im Rampenlicht stand,wurde von Warhol porträtiert. Staatsmänner wie Mao oder Lenin waren mächtig und gelten als politische Erneuerer ihrer Zeit. Auch intellektuelle Größen wie Herman Hesse fanden Eingang in den Kanon der WarholBerühmtheiten. Goethes weltbekanntes Porträt in der Campagna von Johann Heinrich Wilhelm Tischbein benutzte Warhol, um daraus eines seiner unverwechselbaren Siebdruckgemälde zu schaffen. Persönlichkeiten aus der ihm nahe stehenden Kunstszene sind freilich besonders gut in seinem Œuvre repräsentiert. Joseph Beuys, der mit seinem "erweiterten Kunstbegriff" für ein Umdenken im Kunstverständnis steht, wurde von Warhol in verschiedenen Werken abgebildet.

Bei dem größten Teil seiner Porträtarbeiten hat Warhol zunächst auf bestehendes Bildmaterial — wie etwa Pressefotos oder Standbilder aus Filmen — zurückgegriffen. In einem weiteren Schritt reduzierte er die vorgegebene Bildstruktur auf ihre Grundform, die durch die von Warhol verwandte Technik des Siebdrucks mit der Ausformung starker Kontraste noch verstärkt wurde. Es ging ihm nicht um eine sorgfältige Wiedergabe des Modells,sondern um die Weiterverarbeitung des Bildnisses einer populären Person, das allgemein bekannt ist und unmittelbar wiedererkannt wird. Dabei ist es egal, ob es sich um Mona Lisa oder Mao handelt. Warhols Siebdrucke werden somit nicht als Darstellungen der verschiedenen Berühmtheiten selbst, sondern als Reproduktionen derselben erfahren, die bereits ein bestimmtes Starbild transportierten.

Die Legende lebt
Dass Warhol nach wie vor sehr gegenwärtig im allgemeinen Gedächtnis ist und viele Menschen seinen Namen mit dem Begriff "Kult" in Verbindung bringen, ist in der Hauptsache durch seine nicht abbrechende Präsenz zu erklären. Nicht nur seine Starporträts, sondern auch andere Bildmotive wie die "Campbell’s Soup", die "Car Crash"-Bilder oder der "electric chair" sind auch jüngeren Generationen vertraut. Kaum ein anderer Künstler wird auf vergleichbare Weise weltweit durch eine nicht enden wollende Kette von Ausstellungen geehrt,und es vergeht wohl kaum ein Monat, in dem nicht ein Ausschnitt aus Warhols Werk der Öffentlichkeit zugänglich gemacht wird. Zahlreiche Internetseiten widmen sich dem Künstler exklusiv und gestehen ihm viel Raum zu. Das Andy Warhol Museum in Pittsburgh öffnet mit seiner umfangreichen Sammlung nicht nur der interessierten Öffentlichkeit die Türen, sondern bietet mit seinem umfangreichen Archiv auch die Möglichkeit für wissenschaftliche Studien.

Darüber hinaus wird der Kultstatus Warhols in großem Stilvermarktet: In Online-Stores, Museumsshops, aber auch Kaufhäusern und Ladengeschäften werden Objekte aller Art mit Motiven des populären Künstlers angeboten. Die von Warhol entwickelte Bildsprache ist noch heute allgegenwärtig. Nicht nur Künstler rezipieren das Werk Warhols; insbesondere Werbegraphiker und Produktgestalter beziehen sich gerne und häufig auf den Pop Art-Künstler. Subtil wird durch die Anlehnung an Warhols Bildästhetik der Kultstatus transportiert und kommerziell nutzbar gemacht.

Warhol, der Liebling des Jetsets – ein manipuliertes Selbstbild
Warhol gilt in der Öffentlichkeit als unnahbarer und nicht greifbarer Sonderling. Er selbst beförderte ganz bewusst eben dieses Bild sowie die Stilisierung seiner Persönlichkeit zu einem realitätsentrückten Star. In Interviews gab er sich zumeist unverbindlich und widersprüchlich, oft kehrte er das Verhältnis von Fragendem und Befragtem um. Auch seine äußere Erscheinung, der oft weltentrückte Blick und die weißen Haare,vermittelten den Eindruck eines Egozentrikers. Aber gerade das machte ihn für denJetset so interessant,und wahrscheinlich ist dies auch seinem Geschäft sehr zuträglich gewesen. Dem Star Warhol haftet eine göttliche Aura an. Dieser Künstlerstatus ist indes kein Novum in der Kunstgeschichte. So wie Andy Warhol zum gefragtestenPorträtisten von Geldadel und Prominenz avancierte, galt im17. Jahrhundert der flämische Maler Anthonis van Dyck alsmeistverehrter Bildnismaler des europäischen Adels. Beide Künstler verbindet ein ausgesprochen glamouröser Lebensstil. Warhol jedoch inszenierte sein Bild in der Öffentlichkeit. Er verfolgte eine Strategie der Dissimulation, der absichtlichen Verheimlichung von bestimmten Besonderheiten seiner Person, die seiner konstruierten Reputation entgegenstanden, sich möglicherweise sogar schädigend auf sein Geschäft ausgewirkt hätten. Anders als Stars, die lediglich zum Schutz ihrer Privatsphäre nur wenig aus ihrem Leben preisgeben, hat Warhol ein zweites, anderes Leben gelebt. So wurde nach seinem Tod bekannt, dass Warhol sich über Jahre an verschiedenen Feiertagen regelmäßig zum Dienst an den Armen eingefunden hatte. Die Öffentlichkeit nahm die Nachricht über diese aktive Form der Barmherzigkeit und Hilfsbereitschaft des vermeintlich teilnahmslosen Superstars mit Verwunderung zur Kenntnis. Ähnlich wie die Manipulation seiner eigenen Person, wurde auch der Umgang mit der Kunst und das Bild der sogenannten "factory" verklärt. Kein Werk passierte die Schwelle des Betriebs ohne die ausdrückliche Genehmigung des Meisters. Die Bezeichnung "factory" suggeriert indes ein falsches Bild, denn vielmehr als einer Fabrik ähnelte sie dem Atelier eines Leonardo oder Rubens. Gegen Plagiatsversuche seiner Werke, die er öffentlich belächelte und als unbedeutend abtat, ging Warhol de facto beharrlich und mit juristischen Mitteln vor, um sich vor finanziellem Schaden zu schützen und die Grenzen des Korpus’ seiner Werke nicht zu verwischen.

Ende der 40er Jahre hatte Warhol am Carnegie Institute of Technology in Pittsburgh studiert und einen Abschluss in Design und Malerei gemacht. In der darauf folgenden Dekade arbeitete er vor allem als Werbegraphiker. Zu dieser Zeit entstanden Zeichnungen und Graphiken,die viel weniger bekannt sind als seine Gemälde. Doch auch in den intimen und feinen Arbeiten des Frühwerks lässt sich bereits eine Entwicklung hin zu dem in den späteren Bildern umgesetzten Starprinzip ablesen. Die Ausstellung spannt einen Bogen vom frühen graphischen Werk über malerische Arbeiten aus den 60er Jahren bis hin zu Bildern, die kurz vor Warhols Tod im Jahr1987entstanden sind. In seinem künstlerischen Schaffen war
Warhol nicht nur auf eine Ausdrucksform festgelegt. So erhält der Besucher auch Einblick in das filmische Werk des Künstlers, seine Tätigkeit beim Fernsehen und seine Arbeit als Herausgeber der Zeitschrift "Interview". Integrativer Bestandteil der Ausstellung ist ein Shop, in dem der Besucher die vielfältige und bunte Welt der Kommerzialisierung warholscher Bilderfindungen bestaunen und Beispiele daraus erwerben kann.

— Ulf Sölter

Kuratoren: Dr. Joachim Jäger, Dr. Anette Hüsch.

Bill Viola, Videostill, Ocean without a shore, 2007, Venice Biennale.

Haunch of Venison
Heidestrasse 46
+49 (0)30 39 74 39 63
Berlin
Bill Viola, Installations/Screenings
9 January-
21 February 2009

Haunch of Venison Berlin will this winter present of a series of works from the internationally renowned US artist Bill Viola, in his first solo exhibition in Berlin in six years.

The exhibition includes the large-scale video/sound installation The Messenger (1996) originally commissioned for Durham Cathedral by the Chaplaincy to the Arts and Recreation, North East England. It depicts the continual rising and sinking of a male figure as he slowly journeys between a blue-black underwater realm and the bright daylight of the world above its surface.

New works will also be presented from the Transfigurations series — a cyclical progression of images that describe a series of encounters at the intersection between life and death. The first in this series was the three channel installation Ocean Without a Shore (2007) created for the 52nd Venice Biennale. In Berlin the works shown will be single and multiple channel pieces, with one piece, Small Saints (2008), using six tiny OLED screens, a new technology with special luminance.

During the 59th Berlin International Film Festival, Berlinale, two early video films will be screened in the main space of the gallery as part of Forum expanded. Hatsu-Yume (First Dream) (1981, 57 minutes) is structured on the cycle of one day, images gradually moving from light into darkness, presenting a visual journey through the landscape of Japan from the rural areas of the far North to the underworld nighttime scenes of the streets of modern Tokyo.

The Passing (1991, 54 minutes) is a personal response by the artist to the spiritual extremes of birth and death in his family. Black and white nocturnal imagery and underwater scenes depict a twilight environment hovering on the borders of human perception and consciousness.

For over 35 years, the work of Bill Viola has focused on universal human experiences. Viola is renowned for creating installations, videotapes and sound performances that present manifestations of the human form undergoing various states of transformation and renewal. His work has been instrumental in the establishment and development of video as a contemporary artistic practice, while his writings and lectures have disseminated his ideas to a wide international audience. Viola continues to break new ground, both technologically and aesthetically, and has inspired a generation of media artists and filmmakers.

Bill Viola, Videostill, The Fall into Paradise, 2005, Video/sound installation, Screen size: 10.5 ft. X 14 ft. (320 cm x 427 cm), 9 minutes and 58 seconds, Photograph Kira Perov.

Bill Viola, Videostill, Mary, 2000, Video and sound installation, Edition of 3.

Bill Viola, Videostill, Study for Emergence, 2002, Color video on freestanding vertical LCD flat panel, LCD screen: 11-3/4 X 14-5/8", Edition of 3.

Bill Viola, Videostill, Union, 2000, Two channels of color video on two plasma displays mounted side-by-side, vertically on wall , 8 minute loop, 40-1/2 X 50 X 7", Edition of 5.

Arthur Bispo do Rosário, (Navios de Guerra), © Promo.

House of World Cultures
John-Foster-Dulles-Allee 10
+ 49 - (0)30 - 397 87 0
Berlin
Rational/Irrational
November 8, 2008-
January 11, 2009

An exhibition presenting works by Pawel Althamer in collaboration with Artur Zmijewski, François Bucher, Hanne Darboven, Juan Downey, Arthur Bispo do Rosário and Javier Téllez

In his Sentences on Conceptual Art, Sol Lewitt wrote: “Conceptual artists are mystics rather than rationalists. They leap to conclusions that logic cannot reach. 5. Irrational thoughts should be followed absolutely and logically.”

Where is the difference between rationality and irrationality? The six artists that curator Valerie Smith has brought together for her first exhibition at Haus der Kulturen der Welt, explore various states of mind that have lead to new perceptions of reality at the boundaries of logic.

The Brazilian Arthur Bispo do Rosário (1911-1989) the Chilean Juan Downey (1940-1993) and the German Hanne Darboven are the key figures representing divergent thought processes in the exhibition, but who share qualities of persistence and discipline. Their work offers insight into calculated ways of thinking that ultimately have lead to individual mantra.

Bispo never considered himself to be an artist. These works which he called “registers of my passage on earth” are the tireless obsessions of a man endlessly inventorying his past and present to assure his place in the future. His tireless preparations for Judgement Day materialised into exhaustive lists of everything he knew meticulously embroidered on bed linens and occasionally bound around hospital furniture. These works have earned him admiration by contemporary artists, who find inspiration in his passion.

Downey's pioneering work in early video, his use of the media to penetrate the remotest parts of the Latin world and his resistance to the political corruption in his native Chile have made him a model for artists today. Downey anticipated an anthropological approach to independent broadcasting with large doses of social critique. His ironic approach to video coupled with his reverence for indigenous culture and their integrated way of life perfectly reveals the dilemma of his age caught between technology and a need to escape prescribed notions of "progress." Inspired by Robert Wiene’s classic, The Cabinet of Dr. Caligari, Javier Téllez (Venezuela/USA) and amateur actors from the Vivantes Clinic in Neuköln produced a film installation especially commissioned for Haus der Kulturen der Welt whose setting takes place in and around the Einstein Tower in Potsdam. The celebration of difference, both social and psychological, guides of Telléz's vision and his public message.

Following in Downey’s footsteps, Warszawa based artists, Pawel Althamer with Artur Zmijewski, break with social convention in So genannte Wellen und andere Phänomene des Geites, a series of eight DVDs, which record their experiments with consciousness-changing drugs. Althamer, and an occasional friend, immerse themselves in the pure wonderment of prenatal worlds, delving into primal instincts to chemically attain unadulterated states of awe. In the montages of news sequences and interviews created by François Bucher (Colombia), a concentrated game-within-a-game evolves in the interstice between reality and fiction. His work centres on the violent psyche caught between tension, terror and manipulation. Severa Vigilancia – (Haute Surveillence) a dual DVD projection, is an allusion to Jean Genet's work, in reference to Artaud’s Theatre of Cruelty. In Bucher’s work, the boundary between staged and real violence is disquietingly vague.

The systematic organisation and presentation of time plays a vital role in the works of German conceptual artist Hanne Darboven. The contrast between the severity of the formal language of a calendar and the fluidity of the artist’s handwriting in Kalendergeschichten, (Kalender 1976 b) (Calendar Stories), pushes the work to the point where control and meaning are transcended and another realm of perception appears..

Exhibition curator, Valerie Smith, is head of the Department of Visual Art, Film and Media at the Haus der Kulturen der Welt since May 2007. Before that she was Chief Curator and Exhibition Director at the Queens Museum of Art in New York. From 1981-89, she worked as curator at Artists Space, one of the leading venues for contemporary art in New York. From 1990-93, she served as artistic director of Sonsbeek 93 in Arnhem, the Netherlands. She received the International Association of Critics Award for her exhibition Joan Jonas, Five Works (2003). For her work Down the Garden Path, The Artists’ Garden After Modernism (2004) Valerie Smith received the Emily Hall Tremaine Curatorial Award.

In a series of eight videos entitled So genannte Wellen und andere Phänomene des Geites, Pawel Althamer (in collaboration with Artur Zmijewski) uses chemical and psychological aids to return to a pre-social and pre-natal state: he wants to transform his "animal body into a tool." The imperfection of the tool is an essential part of his programme. The adult observer who experiences a loss of self-control only within a specially created context finds these states devoid of boundaries shocking at times, funny at others and frequently disquieting and liberatory. Pawel Althamer’s works of performance and video have been shown at the documenta X in 1997, the Centre Pompidou in 2006, and at the Tate Gallery of Modern Art in London in 2008.

Arthur Bispo do Rosário (1911-1989) eked out a living in the world as a Naval gunner, a lightweight boxer, and handy man. When he reached adulthood, he repeatedly fell ill. After a number of stays at the psychiatric clinic in Rio de Janeiro, he decided to spend the rest of his life there. For the next 50 years, he prepared himself for the Last Judgement. He is recorded as having said that Christ and seven angels had instructed him to take stock of all the redeemable things in the world: remnants of materials and discarded everyday items, onto which Bispo carefully embroidered images and text that were then fashioned into ceremonial garments, various assemblages, and miniature universes. Unfortunately, only a fraction is shown at HKW . His works were first shown in Europe at the 1995 Venice Biennale.

François Bucher (*1972) is an artist from Cali, Colombia. He lives and works in Berlin. His works have been shown internationally in group and solo exhibitions,, for example, Location One, New York; Empire/State, Artists Engaging Globalization, Whitney Museum Independent Study Program Exhibition, 2002; Creek Art Center, Shanghai; and the Tate Britain, London. His video works have been shown at the Oberhausen Film Festival, the Independent Film Video Festival in Indonesia, the Impakt Festival in the Netherlands, Kassel Documentary Film and Video Festival and the Cinema Paradise Festival in Honolulu. He is currently working on a new film commissioned by the Porta 33 Galerie in Madrid in co-operation with Pedro Paixão.

After working as a pianist, the German artist Hanne Darboven (*1941) began studying at Hamburg Art Academy in 1962. Four years later she left the art academy and moved from Germany to New York. Her work focuses on the visualisation of periods of time as structures that fundamentally influence our lives. Since 1980, she has been translating her sequences of numbers into music too. Nationally and internationally, Hanne Darboven’s works occupy an outstanding position within contemporary art.

A small installation by Chilean artist and video pioneer Juan Downey (1940-1993) is on show from the series Video Trans America. In the 1970s, Juan Downey, who was then an architect living in New York, set off on an expedition through Latin America. He lived with the Yahomani Indians in Venezuela’s rain forest, recording their society and shamanist rituals on video. His videos show the relationship between tension and relaxation, both of which are important meditation and the Yanomani rituals.

In co-operation with clients at the Vivantes psychiatric clinic, Javier Téllez filmed a new interpretation of the cinema classic The Cabinet of Dr. Caligari in Berlin und Potsdam. In improvisations and role play, they jointly produce a script, creating a film on the borderline between documentary and fiction. Mendelssohn’s expressionist sun tower in Potsdam serves as a set and forms a projection surface for the participants’ dramaturgical ideas. For many years now, the Venezuelan artist, who lives in New York and is the son of two psychiatrists, has been working with people who have their own forms of perception. The work commissioned by the Haus der Kulturen der Welt deals with doppelgangers, stigma against the backdrop of expressionist architecture.

Javier Téllez, Film Still aus dem Projekt Caligari und der Schlafwandler, veine Auftragsarbeit vom Haus der Kulturen der Welt, Galerie Peter Kilchmann, Galerie Beer/Arratia, Figge von Rosen Galerie, © Promo.

Javier Téllez, Film Still aus dem Projekt Caligari und der Schlafwandler, veine Auftragsarbeit vom Haus der Kulturen der Welt, Galerie Peter Kilchmann, Galerie Beer/Arratia, Figge von Rosen Galerie, © Promo.

Javier Téllez, Film Still aus dem Projekt Caligari und der Schlafwandler, veine Auftragsarbeit vom Haus der Kulturen der Welt, Galerie Peter Kilchmann, Galerie Beer/Arratia, Figge von Rosen Galerie, © Promo.

François Bucher, White Balance (to think is to forget differences).

Juan Downey, Mediations, 1976-77, color pencil on paper, © Promo.

François Bucher, Ondre Corte.

Hanne Darboven, Installation view of Quartett >88<, 1988, 1989, Renaissance Society, Chicago, 2000.

Hanne Darboven, Detail from Quartett >88<, 1988, 1989, Renaissance Society, Chicago, 2000.

Pawel Althamer / Artur Zmijewski, Videostill, © Promo.

Kitagawa Utamaro (1753-1806), Ehon Komachibiki, Set of twelve polychrome woodblock prints, 25.0 x 37.5 cm each. Japan, Tokugawa period, dated Kyôwa 2 / 1802, © Sammlung Sumisho, Tokyo / Sumisho Collection, Tokyo.

Katsushika Hokusai (1760-1849), Three Beauties on the Sumida riverbank, Framed, ink and colours on silk, 52.9 x 114.7 cm. Japan, Tokugawa period, ca. 1810-1819, © Sammlung Sumisho, Tokyo / Sumisho Collection, Tokyo.

Utagawa Hiroshige (1797-1858), Night View of Cherry Blossoms at Yoshiwara Daimon Gate, Hanging scroll, ink and colours on paper, 129.8 x 57.9 cm., Japan, Tokugawa period, Kaei – Ansei era (ca. 1848-1860), © Sammlung Sumisho, Tokyo / Sumisho Collection, Tokyo.

Hanne Darboven, Detail from Quartett >88<, 1988, 1989, Renaissance Society, Chicago, 2000.

Museen Dahlem
Museum
für Asiatische Kunst
Lansstrasse. 8
+49 (0)30 830 15 01
Berlin
Klaus F. Naumann Galerie
Schönheit und Eros –
Bilder der Fließenden Welt
von Hokusai,
Hiroshige, Utamaro
und anderen aus der Sammlung Sumisho, Tokyo
17. Oktober 2008-
4. Januar 2009

Die Fließende Welt der Freudenviertel in Japans Metropolen Edo (heute Tokyo), Osaka und Kyoto brachte im 17. Jahrhundert eine einzigartige, hoch entwickelte Konsum- und Unterhaltungskultur hervor, die in Darstellungen schöner Frauen und körperlicher Liebe ihren vortrefflichsten Ausdruck fand. Die auf den Bildern verewigte Hauptattraktion der Viertel waren Kurtisanen. Sie erscheinen mit geschönten und unpersönlich stilisierten Gesichtern meist ohne individuellen Ausdruck. Mit Hilfe von modischer Kleidung, eleganten Frisuren und persönlichen Accessoires wie Kämmen, Haarnadeln und Pfeifen setzen sie sich dennoch wirkungsvoll als idealtypische Schönheiten in Szene.

Die Fließende Welt
Nur für den Augenblick leben, unsere volle Aufmerksamkeit den Freuden des Mondes, des Schnees, der Kirschblüten und des Herbstlaubs widmen, Lieder singen, sich am Trunk berauschen, sich hingeben und treiben lassen, nur treiben, keinen Gedanken auf die Armut verschwenden, die uns ins Gesicht starrt, sich nicht entmutigen lassen, sondern treiben wie ein Flaschenkürbis, der mit der Strömung des Flusses treibt — dies ist es, was wir die Fließende Welt nennen.

— Asai Ryôi: Ukiyo monogatari (Erzählungen aus der Fließenden Welt), ca. 1665.

Schauplatz dieser Fließenden Welt waren die Freudenviertel in Japans Metropolen Edo (heute Tokyo), Osaka und Kyoto. Dort entstand vom 17. bis ins 19. Jahrhundert eine einzigartige, hoch entwickelte Konsum- und Unterhaltungskultur, die in Darstellungen schöner Frauen und körperlicher Liebe, den Bildern aus der Fließenden Welt (ukiyo-e), ihren vortreffl ichsten Ausdruck fand. Mehr als zwei
Dutzend Rollbilder und etwa ebenso viele Graphiken bringen die Atmosphäre der Fließenden Welt diesen Herbst nach Dahlem. Die von dem Connoisseur und Kunsthändler Tsunoda Hideo zusammengetragenen Meisterwerke aus der Sammlung Sumisho, Tokyo, sind erstmals außerhalb Japans zu sehen.

Schöne Frauen
Die Hauptattraktion der Vergnügungsviertel waren Kurtisanen, die ihre Bewunderer gleichermaßen durch ihre körperlichen Reize wie durch Esprit, Modebewusstsein und Stil faszinierten. Ihre Schönheit wird durch weiß geschminkte, geschönte Gesichter betont, die in ihrer Stilisierung meist wenig individuellen Ausdruck erkennen lassen. Die Persönlichkeit der Frauen zeigt sich in modischer Kleidung, eleganten Frisuren und persönlichen Accessoires wie
Kämmen, Haarnadeln und Pfeifen. Die Stars der Fließenden Welt waren zugleich Mannequins, schönes Konsumobjekt und Vorbilder an Eleganz und Schönheit. Diese Schönheitengalerie dokumentiert nicht nur den Wandel des Schönheitsideals und der Mode in einem eindrucksvollen Loblied auf die Frauen des vormodernen Japan, sondern bietet auch einen veritablen Überblick über die Entwicklung der Malerei der Fließenden Welt vom 17. bis ins 19. Jh.

Eros
Fast alle Maler der Fließenden Welt waren zugleich auch sehr produktive Graphiker, die neben Bildern schöner Frauen und Szenen aus den Vergnügungsvierteln auch erotische Arbeiten schufen. Diese Frühlingsbilder (jap. shunga) genannten, expliziten Darstellungen der körperlichen Vereinigung von Mann und Frau sind ein besonderer Schwerpunkt der Sammlung Sumisho. In der Ausstellung ist das Genre mit je einem Dutzend vorzüglich erhaltener, überaus
freizügiger Blätter von Hokusai und Utamaro vertreten. Es ist das besondere Verdienst des Sammlers, ein vollständiges Bild des Oeuvres der Maler-Graphiker von subtiler Schönheit bis zu offener Erotik vorzustellen.

Die Ausstellung zeigt erstmals außerhalb Japans mehr als zwei Dutzend Rollbilder dieses Themas aus der Sammlung Sumisho des in Tokyo ansässigen Connoisseurs und Kunst-händlers Tsunoda Hideo. Sie reichen von frühen, anonymen Werken sowie Arbeiten des als Pionier der Malerei aus der Fließenden Welt (jap. ukiyo-e) bekannten Hishikawa Moronobu aus dem 17. Jh. über Schönheitenbildnisse von der Hand so bekannter Maler des 18. Jh. wie Miyagawa Choshun und Kitagawa Utamaro bis hin zu Beispielen der im Westen bekanntesten Repräsentanten des Ukiyo-e, Katsushika Hokusai und Utagawa Hiroshige. So bietet diese Schönheitengalerie einen veritablen Überblick über die Entwicklung der Malerei der Fließenden Welt vom 17. bis ins 19. Jh. Darüber hinaus dokumentiert sie den Wandel des Schönheitsideals und der Mode in einem eindrucksvollen Loblied auf die Schönheit der Frauen des vormodernen Japan.

Rollbilder mit Ansichten der Vergnügungsviertel und Landschaften der in Europa vornehmlich für ihre graphischen Blätter bekannten Maler Hokusai und Hiroshige bilden einen weiteren Höhepunkt der Ausstellung. Je ein Dutzend explizite Darstellungen der körperlichen Vereinigung von Mann und Frau, Frühlingsbilder (jap. shunga) genannt, von Hokusai und Utamaro vervollkommnen den Einblick in das Schaffen der Maler-Graphiker der Fließenden Welt und schlagen den Bogen von subtiler Schönheit zu offener Erotik.

Diese Ausstellung wird durch die Wechselpräsentationen Schön und Sexy mit Schönheitenbildnissen aus der Sammlung Klaus F. Naumann und dem Bestand des Museums für Asiatische Kunst in den Galerien Japanische Malerei (17.10.2008-22.2.2009) und Katsushika Hokusai — Mensch verrückt nach Bildern in der Galerie Japanische Graphik (17.10.2008-18.1.2009) ergänzt.

Anonymous, Beauty holding a sprig, Hanging scroll, ink and colours on paper, 42.1 x 26.7 cm., Japan, Tokugawa period, Kanbun era (ca. 1661-1673), © Sammlung Sumisho, Tokyo / Sumisho Collection, Tokyo.

Karen Kilimnik, Videostill from Heathers.

Karen Kilimnik, Videostill from Heathers.

Karen Kilimnik, Videostill from Heathers.

Karen Kilimnik, Videostill from Heathers.

Karen Kilimnik, Videostill from Heathers.

Monika Sprüth
Philomene Magers
Oranienburger Straße 18
+49 (0)30 / 2 88 84 03 0
Berlin
Karen Kilimnik. Heathers
28/11/08-31/01/09

Karen Kilimnik’s video Heathers, produced in 1994 and presented in an austere and sepulchral physical environment, is based on the cult American satire Heathers (1989), directed by Michael Lehmann and starring Winona Ryder and Christian Slater, who were at the time idols to a generation of angst-ridden youth.

The original motion picture is a dark and humorous story of teenage conformity and rebellion in picket-fence America. The title refers to three girls of the same name who, with their friend Veronica (Ryder), are at the pinnacle of the high school hierarchy. Just as Veronica begins to question the wisdom of her association with the Heathers she encounters and becomes lovers with a deterministically named juvenile delinquent called J.D. (Slater), whose anarchic and irreverent attitude to responsibility and authority results in a trail of bloodshed, starting with two of the Heathers.

As an acid dramatization of the social and sexual confusions of adolescence and young adulthood, the original Heathers chimes with Karen Kilimnik’s fascination with the uncanny nature of white American mainstream society, trash culture and the emotional, fragile world of teenagers. Kilimnik’s artistic remix of the original is directly filmed off a television monitor, and extends the original three hours long thriller into a six hours tour-de-force artwork by slowing down, freeze framing, fast forwarding, rewinding and repeating individual scenes, sometimes ad nauseam.

Like Kilimnik’s painting practice, Heathers reveals an ambiguous attitude towards the clichéd woman of American mass media, an attitude that sits intriguingly between fetishisation and critique. By breaking up the narrative structure of the film into separate scenes, Kilimnik shifts the viewer’s attention away from the storyline towards a non-linear constellation of key moments, including the opening scene and its famous quote, “What’s your damage, Heather?”

The fragmentation of narrative also places more focus on the female stars, invoking a critical tradition which identifies the representation of female sexuality in classical Hollywood film as constructed around the still image, the pause or pose, which invites the spectator to contemplate woman as a visual spectacle.

Heathers locates Kilimnik not only in a particular kind of feminist tradition, but also within a specific generation of artists’ film and video makers. Kilimnik, like other mid-1990s artists, was fascinated by the advent of digital technology and the way it exposed the limits and the unique qualities of celluloid film and its aesthetics. For Kilimnik, DVD and video technology are based on and encourage a fetish of spectatorship, because they offer the possibility of scene selection, freeze frame, slow motion and other tools which push the spectator out of the "passive" cinema seat into a position of play and control. By extracting short film sequences from the linear narrative of the film, and by repeating them over and over again, Kilimnik exemplifies the concept of the so-called "possessive spectator" of the digital age, whose desire to interrogate, possess and hold the elusive image generates a new form of compulsive repetition.

Heathers is viewed in a chapel-like room, a context which deliberately alludes to the funeral scene in the film. The sacred and reverential atmosphere of the installation environment, with screen as altar, also subtly and humorously points towards the worship of the Hollywood idol that so fascinates Kilimnik. This sense of kitsch morbidity and awe typifies Kilimnik’s use of exaggeration and irony, which have long been central to her artistic practice.

Karen Kilimnik (1955) was born in Philadelphia where she lives and works. Her film work includes Emma Peel, 1991, Remington Steel, 1995, Kate Moss, 1996, and The Bluebird in the Forest, 2005. Her main body of work involves painting and drawing, in which she combines old master painting style with images from popular culture and mass media. Since the late 1980s Kilimnik has created a series of installation environments made from everyday objects. Recent retrospective exhibitions include Karen Kilimnik at the Institute of Contemporary Art, Philadelphia; The Museum of Contemporary Art, Miami and Chicago 2007/08. In 2007 her work was presented in a solo exhibition at the Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris, which travelled to the Serpentine Gallery in 2007.

Karen Kilimnik, Videostill from Heathers.

Peter Fischli / David Weiss, Untitled (Funghi 18), 1997/98, Inkjet print, 75 X 108,5 cm.

Monika Sprüth
Philomene Magers
Oranienburger Straße 18
+49 (0)30 / 2 88 84 03 0
Berlin
Peter Fischli / David Weiss
Sonne, Mond und Sterne
28/11/08-31/01/09

Sonne, Mond und Sterne is a gallery-scale presentation of a project by Swiss Artists Peter Fischli and David Weiss which originated in book form as a commission by the Swiss media conglomerate Ringier AG to customise their annual report and turn it into a work of art.

The 2007 Ringier annual report consists of 40 pages of business data, and 800 pages of adverts. The adverts have been carefully selected and scanned by the artists from hundreds of newspapers and magazines that could be found at any newsstand in any part of the globalised marketplace. The adverts cover the whole spectrum of the lifestyle of the contemporary consumer, ranging from sport to travel, and from fashion to family life. The adverts are carefully grouped and each image is positioned opposite a purposefully chosen companion image, so that each double-page spread forms a kind of diptych, revealing through association or juxtaposition an aspect of our mass culture of consumption.

The Ringier annual report has the effect of a kind of visual encyclopaedia of late capitalism, a typology of the present which exists between sociological research and an aesthetic analysis of the everyday. The specific ordering of the adverts within the report, and their arrangement into instructive and often ambiguous tableaux, amounts to an impressive testament to the power of the modern economic system, and the ways in which goods and services define the modern self. Sonne, Mond und Sterne resists becoming a straightforward critique of consumerism, however; as Beatrix Ruf, Curator of the Kunsthaus Zurich, notes: “Fischli and Weiss paired up 800 different ads and put them in an order that allows many interpretations — but tells no story.”

For the new gallery manifestation of *Sonne, Mond und Sterne* at Monika Sprüth Philomene Magers Berlin, the adverts are arranged as offset prints on white paper, displayed on neutral, white painted tables and in the same order as in the catalogue. The experience of exploring Sonne, Mond und Sterne through the gallery space rather than in published form reveals different kinds of linearity to the visual story of modern life that is being told, and emphasises the encyclopaedic nature of the work. The work encompasses in 800 images something approaching the entirety of contemporary human experience; the title Sonne, Mond und Sterne, meaning Sun, Moon and Stars, refers to a nursery rhyme and is concerned with the naming of things, and the process of identifying and classifying each object and experience in existence.

This fascination with comprehending the everyday has been a continuous motif in the work of Fischli and Weiss. Their work Sichtbare Welt (1987-2000), a vast archive of nearly 3,000 photographs of the everyday and commonly observed, similarly revealed a concern to re-evaluate our assumptions about the world around us and was also presented in a variety of ways, including an artist’s book, a video installation and an installation of images on fifteen light tables. Each manifestation of Fischli and Weiss’s monumental documentary artworks offers different ways of accessing and experiencing the images collated; the gallery experience of ‘Sonne, Mond und Sterne’ presents a specifically powerful and unique opportunity to identify suggestive connections and relationships between the assembled adverts by physically navigating the work and constructing shifting maps of meaning through it.

Peter Fischli / David Weiss, Flirt, Liebe USW, 1984, B/W Photograph, 40 x 30 cm.

Peter Fischli / David Weiss, Untitled (Zürich), Cibachrome, mounted, framed, 156 x 217 cm.

Peter Fischli / David Weiss, Busi, 2000, DVD, Edition 107/150.

Peter Fischli / David Weiss, Small Cupboard, 1987, Black rubber, 55 X 63,5 X 36 cm.

Peter Fischli / David Weiss, Untitled (Blumen 1/45), 1997/1998, Inkjet print, 75 X 108,5 cm.